Les dates de la tournée

Pendant quelques mois, ne manquez pas la venue de l’artiste dans les villes suivantes :

• Montpellier : 14, 15, 17 et 18 mai 2012
• Nancy : 26 mai 2012
• Genève : 2 juin 2012
• Sochaux : 5 juin 2012
• Anvers: 8 et 9 juin 2012
• Paris : 15, 16 et 17 juin 2012
• Lyon : 22 juin 2012
• Ruoms : 26 juin 2012
• Nice : 29 et 30 juin 2012
• Bordeaux : 3 juillet 2012
• Nantes : 7 juillet 2012
• Le Mans : 13 juillet 2012
• Monaco : 19, 20 et 21 juillet 2012
• Bretignolles sur Mer : 26 juillet 2012
• Objat : 28 juillet 2012
• Carcassonne : 30 et 31 juillet 2012
• Colmar : 3 août 2012
• Grenoble : 18 décembre 2012

Une légende vivante

Avec tout le talent qu’on lui connaît, et ce depuis plus d’un demi-siècle, Johnny met le feu aux salles et stades qu’il investit le temps d’une soirée. Immensément reconnu par ses pairs, le chanteur aujourd’hui âgé de 69 ans a su au fil des ans dompter différents courants musicaux avec brio, jouant parfois même le rôle de précurseur auprès du public hexagonal. Michel Berger, Michel Sardou, Zazie ou encore Jean Jacques Goldman font partie des grands noms de la scène française à avoir collaboré avec lui. Johnny est une légende vivante, il suffit de regarder les chiffres pour s’en convaincre : 180 tournées réunissant au total 28 millions de spectateurs, 80 000 personnes pour le voir au Stade de France, 100 millions de disques écoulés, 40 disques d’or sans compter les disques de platine et de diamant. Quand Johnny est de sortie, c’est toujours un évènement !

Nouvelle tournée

Outre certains immenses classiques que nous connaissons tous, la tournée Jamais seul sera également l’occasion de découvrir en live les morceaux du dernier album qui est sorti dans les bacs le 28 mars 2012. Lors de son élaboration, Johnny Hallyday a collaboré avec de grands noms : Matthieu Chedid, Brigitte Fontaine, Hocine Merabet ou encore Yodelice pour ne citer qu’eux. Alliant le blues terrien et la légèreté de la pop, Jamais seul offre une expérience subtile et puissante. Vous êtes fan ? Foncez ! Au passage, profitez au maximum de l’évènement sans plus attendre en réservant vos billets en ligne. Avec une des cartes bancaires American Express, comme la Gold Card, triplez vos points Membership Rewards pour toute commande, dans la limite des places disponibles !

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Le shuffle

C’est le rythme qui fait le blues, car même à partir d’accords simples, il permet au guitariste, par un mouvement du poignet, d’insuffler un rythme ternaire. C’est-à-dire que sur un mouvement découpé en 1-2-3, le médiator fera résonner les temps un et trois, syncopant le second, ce qui enlève toute monotonie à l’enchaînement d’accords. Si de surcroît le guitariste pose la main qui crée le shuffle sur le chevalet de la guitare, il y aura une sonorité un peu étouffée qui met le rythme en valeur, notamment par cette syncope qui engendre un phrasé mélodique parlant aussitôt à l’intimité de celui qui écoute.

Le blues

La seconde caractéristique du blues est de s’exprimer sur une gamme pentatonique mineure à laquelle est ajoutée une quinte diminuée. Cette sonorité très proche de la voix humaine dans l’expression est mise en valeur par la technique du vibrato qui joue sur la hauteur de la note en tirant sur la corde de la guitare. Là encore le rythme du vibrato, langoureux ou rapide, saccadé ou non, donne aux solos de blues une expression très humaine des sentiments que veut faire passer le musicien.

Guitare et harmonica

Le blues convient dès lors à deux instruments, la guitare et l’harmonica, capables de compléter une voix par l’expression de timbres, de vibratos et de rythmes qui se déroulent facilement lors de partages d’histoires humaines : récit des esclaves déportés depuis l’Afrique vers l’Amérique, histoire du peuple noir américain, espoirs et déceptions après l’abolition de l’esclavage, blues rural du sud… Comme toute technique artistique, le blues a intégré d’autres cultures et usages musicaux au fur et à mesure que les individus qui le portaient vivaient eux-mêmes une évolution plus urbaine et plus intégrée socialement: formalisme du classique, électrification des guitares, influence du rock ou du folk… Né des chants typiques des esclaves noirs à la fin du XIXème siècle, le blues garde aujourd’hui sa substance : parler au cœur par une mélancolie.

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La Sodina : ses origines, ses spécificités

Fabriqué à partir du bambou, du roseau ou de l’Angaroha (coquillage), sa taille varie entre 18 et 50 cm sur la longueur. Il en existe plusieurs sortes : la flûte à cinq ou six trous avec une distance égale, la grande flûte à pavillon… Elle émet un son pouvant couvrir jusqu’à deux octaves chromatiques. Elle pèse entre 30 et 40g. Selon les recherches, la Sodina vient de l’Indonésie, étant donné que les Malgaches, notamment ceux des Hautes Terres, ont des origines Malaises, Indonésiennes et Musulmanes. D’où l’appellation «austronésienne ». Elle peut se jouer en solo ou accompagner d’autres ensembles comme l’amponga ou le langoro : des tambours, instruments traditionnels très connus dans la musique malgache. Elle peut également être en accord avec la valiha (cithare), le violon, le piano. Le son de la Sodina change selon le rythme, entraînant des variations musicales.

Un instrument traditionnel dans la musique à Madagascar

Le roi de la flûte à Madagascar fut le défunt Rakoto Frah. Il a fait connaître Madagascar et la Sodina à travers le monde lors de ses tournées et a séduit beaucoup de gens. Les musiciens s’en servent pour jouer de la musique folklorique ou du ba gasy, un style de musique qui se joue avec une guitare uniquement. Avec l’amponga (tambour), c’est la base du vako-drazana ou hira gasy (chanson traditionnelle malgache) qui est généralement entonné lors des évènements familiaux comme l’exhumation des morts, les circoncisions, des us et coutumes hérités des ancêtres ou lors des fêtes publiques. Les femmes et parfois les enfants dansent pendant que les hommes jouent des airs traditionnels avec différents outils, entre autres la Sodina. Tous sont vêtus des habits folkloriques (Malabary, chapeau de paille….).

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Ceux qui ont su s’exporter avant la mondialisation

Après Édith Piaf et Charles Aznavour, Mireille Mathieu a su conquérir le Japon, en particulier, où elle est une star incontournable. Le répertoire de Joe Dassin s’est également très bien exporté en son temps, de même que Patricia Kaas, Mylène Farmer, Serge Gainsbourg et Jane Birkin. Ceux de ces artistes qui sont encore vivants ont, pour la plupart, une audience relativement faible actuellement en France, alors que leur succès ne se dément pas à l’étranger.

et la nouvelle génération…

Les chanteurs de la nouvelle génération, comme les anciens, parviennent à conquérir certains pays plus que d’autres. Le maître en la matière est le groupe Daft Punk celui qui a le plus vendu à l’étranger, suivi de près par David Guetta, le célèbre DJ français, dont la musique est plus internationale que la pure chanson française. L’Allemagne est un bon public pour la chanson française, puisque après avoir bien accueilli la chanteuse frontalière Patricia Kaas, elle fait un triomphe à Ben L’oncle Soul et à Zaz, dont la voix rocailleuse a conquis aussi le Japon, Hong Kong et la Russie. N’oublions pas de mentionner Charlotte Gainsbourg et Carla Bruni qui représentent également la France à l’étranger. Yelle, accompagnée de ses musiciens est sans doute plus appréciée aux États-Unis qu’en France, après avoir rallié tous les suffrages au Québec, en particulier avec son album Safari disco club. Certains groupes français s’exportent aussi très bien parmi lesquels on compte en particulier Phoenix qui a été jusqu’à jouer en guest star dans “Madison Square Garden”, Gotan Project dont la musique tango-électronique a fait le tour de la planète. Enfin, Mano Negra, Justice, Air, Tahiti 80, Alizée et Jean-Michel Jarre complètent le tableau des musiciens français qui s’exportent dans le monde entier.

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Un parcours en dents de scie

Avant de devenir un orfèvre de la chanson francophone, Ricky James Fotso Guifo a beaucoup hésité à choisir son orientation. Ce jeune camerounais, né en 1969, a été champion junior du Cameroun en basket, en 1987. Les études ne l’intéressent pas beaucoup et après avoir obtenu son bac en candidat libre, il s’essaie au droit, à l’histoire, la philosophie ou la sociologie. De plus, son stage de journaliste à la Dépêche du Midi, à Toulouse, l’a probablement incité à lancer deux journaux universitaires, avant d’inaugurer l’aventure Vote graduel et d’animer un Café philo… Ce n’est qu’en 2000, avec la création de Soul Divine, son premier groupe de sept musiciens, qu’il accorde enfin la première place à la musique. Suite à diverses rencontres, il participe à quelques groupes pour lesquels il écrit et compose la plupart des chansons.

La culture franco-africaine retrouvée

Au décès de son père, en 2004, Ricky James ressent le besoin de retourner aux sources et, au bout d’un an de travail avec des talents et influences divers, sort Kora Kola, son album aux couleurs africaines. Pour réaliser cet album, il sera accompagné par son ami de toujours, Mourad, et s’entourera de soixante-dix musiciens. C’est avec le groupe Big Boum Boum qu’il rencontre son public avec un album dont les références musicales proviennent de Richard Bona, Manu Dibango et Gilberto Gil. Quant aux paroles des chansons, on y reconnait des influences de Claude Nougaro, Alain Souchon, Georges Brassens et Michel Jonasz. Depuis, Ricky James continue son chemin de musicien franco-africain, en petite formation de trois musiciens ou une plus grande de six musiciens. Son interprétation de “Roxane” est un excellent exemple de la façon dont cet artiste atypique envisage les mélanges de styles musicaux.

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Petit histoire de la musique en ligne

La vente de musique en ligne a débuté dans les années 1990, lorsque des sites web on commencé à vendre des fichiers audio. L’arrivée du format mp3 a amplifié le mouvement avec, MP3.com, lancé en 97 pour la promotion de musiciens indépendants, puis eMusic créé l’année suivante et vendant ces nouveaux fichiers mp3. Mais ce type de distribution de la musique est resté anecdotique jusqu’à la fin des années 90, quand Napster et KaZaA ont lancé l’échange de fichiers musicaux entre internautes, obligeant ainsi les majors à trouver un moyen d’endiguer un courant qu’ils ne pouvaient plus arrêter. À partir de ce moment-là, se sont développées les boutiques de vente en ligne, signant ainsi la fin programmée de l’échange de musiques en ligne, après l’arrêt de Napster, condamné pour violation des droits d’auteurs.

Le développement de la musique en ligne

Les sites de vente se sont multipliés au cours des années et tous les magasins de produits culturels, ou presque, proposent un site où l’on peut télécharger des morceaux ou des albums, ou commander un CD, ce qui est de plus en plus rare en raison des délais et des frais de livraison. La Fnac, Cultura, Virgin, Universal Music… les sites vendant de la musique sous forme de CD ou de fichiers se multiplient, mais avec la généralisation des Ipods et Iphones… Itunes est en train de prendre une place très importante dans ce secteur. Quel que soit le magasin, on peut maintenant acheter un album entier, le plus souvent pour 9,99 €, ou seulement un morceau, le plus souvent à 0,99 €. Nous nous sommes tous habitués à avoir la possibilité d’acheter une chanson dès qu’on en a envie, à toute heure de la journée et sept jours sur sept, pour en profiter immédiatement.

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Une histoire qui sort de l’ordinaire

Les membres de Staff Benda Bilili ont presque tous été atteints de poliomyélite dans leur jeunesse et ils se déplacent donc en fauteuils roulants et autres tricycles de leur fabrication. Ils vivent dans la rue et ont adopté le jardin zoologique de Kinshasa comme salle de répétition. Malheureusement, leur succès a fait de l’orchestre le centre d’attraction du jardin et les autorités leur ont donc demandé de quitter les lieux afin de ne pas “déranger les touristes”. Ce groupe hétéroclite a connu son premier succès en 2005, avec la chanson “Allons voter”, qui voulait inciter le plus grand nombre de Congolais à participer aux premières élections démocratiques de la République démocratique du Congo.

Un succès qui ne se dément pas

Suite à de nombreuses diffusions de leur musique et de vidéos du groupe sur le net, le premier album de Staff Benda Bilili “Très très fort” sort en février-mars 2009, chez Crammed Discs. S’ensuit une popularité grandissante de cette musique, mélange de rumba congolaise, musique cubaine, rythm’n blues et reggae, en France tout d’abord, puis en Grande-Bretagne et aux États-Unis. Même les critiques les plus réticents se sont laissés convaincre par l’originalité de ces sonorités. Un trophée de l’artiste au festival World Music Expo 2009 et un long métrage plus tard, le groupe part en tournée européenne pour diffuser son message dont le thème tourne souvent autour du handicap et d’une invitation à “regarder au-delà des apparences”, origine de son nom. La tournée 2010 du groupe congolais s’est composée de 90 concerts donnés en Europe et au Japon. Ils se sont ensuite produits aux États-Unis en 2011, et leur tournée européenne se poursuit, au moins jusqu’en 2012, avec plusieurs dates de concerts en France, en particulier.

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Définition des musiques actuelles

Il est important de définir précisément le concept de “musiques actuelles”. Il est communément admis qu’il inclut le jazz improvisé et autres musiques du même genre et les musiques traditionnelles, régionales, françaises et autres. Les musiques amplifiées, comme le rock, pop et autres, la chanson française, le country, le blues, le hip-hop, la world musique font partie aussi des musiques actuelles, tout comme métal, hardcore, reggae, raga et autres genres assimilés. Enfin, on ajoutera les musiques électroniques, dub et autres. Cette définition exclue donc logiquement les musiques classiques, anciennes, baroques, folkloriques et contemporaines. Ce découpage peut paraître un peu discutable, en particulier concernant les musiques contemporaines, mais c’est celui qui est communément admis en France.

Des associations occupent la scène

Compte tenu de l’extrême variété de styles, pour leur faire une place sur la scène française, des associations existent un peu partout en France pour les promouvoir, leur donner une résonnance. Plus de 150 festivals en 2011, ont offert une visibilité à ces musiques actuelles et on compte plus de cents scènes en régions, souvent mises en place par des associations pour promouvoir des artistes locaux et d’ailleurs. Par ailleurs, plusieurs de ces associations ont pour but, non seulement de promouvoir l’écoute des musiques actuelles, mais aussi d’inciter les amateurs à découvrir la pratique du ou des style(s) de musiques qui leur plaisent, ce qui permet souvent de découvrir un plaisir beaucoup plus grand que l’écoute relativement passive. Par ailleurs, il faut noter que les styles sont de moins en moins étanches et des influences se font sentir de façon transversale, contribuant à la richesse culturelle. En fait, les musiques actuelles ont une place prépondérante sur la scène française, même si le poids des différents types de musique varie suivant les périodes, mais aussi en fonction des générations.

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